2008年標誌著香港歌劇社與法國五月節的邂逅，當年演出奧芬巴赫的輕歌劇《秘魯歌兒》給我們的很多演唱者留下了難忘的回憶，激發了我們的歌劇濃情，更激勵了我們作出努力，培養年輕的歌劇人才。

「歌劇狂熱唱不停」是香港歌劇社舉辦的一個集慈善音樂會和歌劇教育的項目，讓我們的熱情歌手和年輕演唱家能一展才華。歌劇的曲目太豐富了，也充滿火熱和激情 – 歌劇演唱者的狂熱往往不能只靠演唱多一些歌曲就可以降溫。在這場音樂會裏，香港歌劇社將精選演唱法國歌劇中備受喜愛的詠嘆調和選段, 來自比才的《卡門》和《採珠者》，德利布的《拉克美》等等。

有說,美好的音樂應該是二重奏 – 這說法當然 適用放諸法國爵士鋼琴家巴蒂斯特·特羅蒂尼和米尼莫·加雷身上。特羅蒂尼翁之前的兩張專輯《Fluide》與《Sightseeing》備受全球注目, 當時他年僅26。其後他連連贏得 Prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz Hly a Django d’Or, 2003年法國 Victoires du Jazz的最佳法國新人獎,以及2002年Martial Solal 國際爵士鋼琴大賽的大獎。特羅蒂尼翁之前雖然曾經與一眾優秀 的表演者合作過,但直到2011年,他遇上了居住在巴黎,來自阿根廷特的米尼莫·加雷,兩 人合作巡迴演出,才真正在舞台上迸發火花。 加雷勇於挑戰,不單是鼓手,也是敲擊樂手, 更能把拉丁節奏融合在爵士樂中。他曾與眾傑 出的音樂人,包括Dee Dee Bridgewater 與Jacky Terrasson等合作演出。現在,他們為香港觀眾帶來包括從民謠到爵士和阿根廷探戈,一場美妙純正的聲樂演出。

鋼琴家張郁苓於2014年成立莫里索鋼琴三重奏。這次與團員金恩娥和朱牧將演出杜布瓦的第一號鋼琴三重奏，曲風充滿著活力，呈現法式的傳統浪漫。第二首為鄧慧中為他們寫的「雪景」，其靈感來自於貝爾特・莫里索之畫，和三重奏的名字相呼應，為整場演奏會添加了東方的色彩。下半場將會演出拉威爾鋼琴三重奏，是法國二十世紀最具代表性的作品之一，由它極豐富的感性和華麗色彩為演奏會劃下美麗的句點。

「六秀士」: 法國二戰年間的初生之犢
1917年，六位年輕的作曲家在女高音巴多莉安排的音樂會上各展所長。這五男一女均是薩提的門生，而薩提給他們取了「新秀」這個雅號。他們當中包括了音樂天才奧力克和泰雅菲；同樣有小提琴背景的米堯和奧涅克：前者有猶太裔血統，至於後者則原籍瑞士。這四人在1913年巴黎音樂學院成為同窗，亦種下日後深厚的友誼。另外的兩人都以自學取修音樂，他們分別是內斂嚴肅的老大杜希和玩世不恭的老么浦朗克。雖然兩人在性格上南轅北轍，但他們在政治上都非常立場鮮明，敢言無畏。

在薩提的牽缐下，「新秀」們在1917至1919年躍身成為巴黎藝文界的新寵，也是各個文藝熱點的常客。而他們的交際圈子中，又以多才多藝的確圖最為活躍。確圖認為法國音樂必須打破德國浪漫主義的影響，還有擺脫德布西的朦朧主義才能有出路。確圖的理念與「新秀」們勇於挑戰傳統，建立個人風格的意願不謀而合。結果在確圖的落力推廣下，「六秀士」正式於1920年初打響名堂。他們的新名字是藝評人哥列特的得意健作。

然而，六秀士當中，其實存在不少隱憂。音樂上的不同取令杜希於1920年脱隊，他們真正合作的作品僅有一首，可以説是「名存實亡」。其後奧涅格亦因為與確圖的分歧脱難「六秀士」。二戰迫使米堯移居美國，並在當地任教；泰雅菲則於二戰尾聲才回流法國。隨着戰爭結束，「六秀士」亦無復當年。

不過，六位作曲家在困難的情況下繼續互相支持、互相賞惜。今晚音樂會則透過鋼琴作品、藝術歌曲和管樂室樂作品來展現了「六秀士」「和而不同」的特色，並且讓觀眾有機會重新認識「六秀士」的作品。

曲目
六秀士鋼琴曲集 (1920)
奧力克：前奏曲
杜希：無詞曲
奧涅格：塞拉班德舞曲
米堯：馬厝卡舞曲
浦朗克：圓舞曲
泰雅菲：牧歌

《羅密歐與茱麗葉》是古諾的代表作，作曲家以浪漫的音樂把這個傳頌千古的愛情故事譜成歌劇，是莎士比亞悲劇中最成功的改篇作品之一。

五幕歌劇的劇本由朱爾·巴比埃和米歇爾·卡雷以法文寫成。四首經典的男女愛情二重唱，配以合唱團及樂團強而宏大的襯托，溫婉纏綿與濃烈的情感極人性化，營造出前所未有的效果。同時，作品裡的宗教音樂莊嚴神聖，反映古諾的信仰和對宗教的投入。音樂跌宕有致，極具廣度和深度，是作曲家一大成就。激昂的旋律把家族間的恩怨情仇描繪得活靈活現，直至最後以悲劇終結。這種以抒情手法聚焦於戲劇的效果，孕育成十九世紀末的歌劇新體裁 — ｢抒情劇｣。

古諾這部不朽之作於1867年在巴黎國際博覽會首演，旋即引起哄動。同年底，作品已於英國、德國、比利時和紐約上演，先後成為巴黎喜歌劇院及巴黎歌劇院的主要劇目。時至今天，《羅密歐與茱麗葉》仍是法國歌劇界的主要劇目。

同為古諾另一傑作《浮士德》撰寫劇本的劇作家巴比埃和卡雷非常尊重莎士比亞的戲劇，保留了不少原著的情節及對白，但同時，他們又刪掉了一些角色，加入羅密歐侍從史特法諾之新角，並加插了一場婚禮的場景，是原著沒有的。而原著本來以兩個家族修好作結，歌劇則以茱麗葉醒來目睹羅密歐死去結束，讓二人唱出最後的二重奏。所有變動都是為了配合古諾的音樂而安排的。

香港歌劇院與2016法國五月藝術節聯合呈獻的《羅密歐與茱麗葉》，由法國導演兼設計阿爾諾·貝南執導，傑出年輕法國歌劇女高音瓦尼娜·桑托尼和男高音塞巴斯蒂安·凱茲分別飾演茱麗葉和羅密歐，還有其他國際和本地菁英，聯同香港歌劇院合唱團，由法國指揮大師本雅明·琵安理亞率領福建交響樂團傾力演出。

《羅密歐與茱麗葉》的淒美，從首幕戀人邂逅，至尾幕苦命鴛鴦雙雙辭世，細膩感人且戲劇性的旋律訴說真愛。作品充滿法國的情懷，令觀眾完全融入這疾首痛心的愛情輓歌。

融合三種藝術的感動體驗

「無聲交流」這舞台表演融合了三種不同的藝術:音樂、雜耍舞蹈和物件劇場。三種藝術表現形式，三種藝術體驗，三種文化只為一個目的:感情上的溝通或通過情感進行溝通。

「無聲交流」是一連串視覺和聲音的抒情小品，以人類最原始的感情作出發點，沒有話語，描寫人與人之間的溝通或缺乏溝通。

如卡巴萊歌舞或馬戲表演一樣，演出一場接一場。每一場均是獨立的，但卻擁有自己的故事:一個受月亮迷惑的木偶利用舞者的軀體作為梯級。一個體形巨大，發光的人物操控著木偶，並賦予它生命。一個奇怪的男人與碎布大戰一輪之後，對自己巨形的雙腿感到尷尬，因而想學跳舞。一個舞者以慵懶的探戈舞引誘紙的剪影。整個演出在大量的舞蹈和敲擊樂聲中結束。

「無聲交流」是探索不用言語，只利用音樂，身體語言和物件的操控進行溝通。

精彩的法國現代舞蹈

堤希馬蘭登以新古典主義展現《美女與野獸》的新面貌。這個充滿象徵意義的愛情故事有著兩位不論裡裡外外均屬南轅北轍的主角，一直以來都是藝術家的靈感泉源。馬蘭登根據尚．高克多於1946年出品的電影為藍圖，以一個有關成長的故事探討人性的二元性:美女Belle代表著人的靈魂；野獸則是生命力和本能。整套舞劇優雅而流暢，配合柴可夫斯基的經典樂章，讓這個動人的童話活現於舞台上，原來夢想真的能成真，真愛能令人改變。美女和野獸之間的互動是故事的重心，結尾時野獸變成王子，城堡變得光亮更是高潮所在。華美的宮廷服飾、戴上神秒面罩的野獸和馬蘭登比亞夏茲芭蕾舞團舞者的精彩演繹，為這個舞劇注入了不少視覺魔力。

舞蹈新星灰姑娘

「仙履奇緣」的故事膾炙人口，可以說，每個人心中都有一個灰姑娘。一個受盡壓迫的少女，在神仙教母的幫助下，努力尋找愛情和實現夢想，排除萬難取得成功，而壓迫她的人亦當然沒有好下場。這個充滿著象徵意義的故事，在舞台上演過無數次，包括不同版本的芭蕾舞劇。要以一個全新角度詮釋如此耳熟能詳的老故事，對任何當代編舞者來說均是一個挑戰。這一次，堤希馬蘭登就以誠懇的個人角度出發，但故事的結構就依然忠於原著。

馬蘭登在新作中探討一些他重視的議題。他的灰姑娘是一個舞蹈新星，這是她的成名之旅。舞劇的表達方式是現代的，但骨子裡卻依然古典，以簡約的舞台設計、具創意的道具加上精緻的品味取悅觀眾。

創作背景

藝術工作往往需要長時間醞釀，不能催生。馬蘭登之前一直猶豫，不願意改編「仙履奇緣」。他認為1985年馬林（Maguy Marin）的版本，將故事套在娃娃屋中，已近完美。再者普羅科菲耶夫（Prokofiev）的音樂令他不安。他寫道:「普羅科菲耶夫的音樂聽來誠懇，但時而扭曲，帶有諷刺和苛刻。我與他的音樂保持距離，因為它像一塊忠實的鏡子照著我，我不想將自己的靈魂描劃得那麼黯淡。」

即使如此，馬蘭登後來亦因編排普羅科菲耶夫遺作「皮埃爾的花」而取得了空前成功。但是要他改編灰姑娘，還是需要多一點動力。最後，因為作品將有機會在凡爾賽宮的皇家歌劇院演出，加上看到尼采的一句話: 「人必須在紛亂之中，才可以成就一顆躍動的星星」，令他毅然決定接受挑戰。

在希臘神話中，混沌孕育了大地、星空和愛。在故事中，灰姑娘的繼母認為她一無是處，迫她清理爐灶和睡在柴灰上。但因著愛，她成為了一個多才多藝的舞者，實現了夢想也成就了自我。

每個人都可以理解灰姑娘的處景。她的自我懷疑、否定、痛苦、希望和對光明的渴求。 馬蘭登透過他的灰姑娘故事，帶領歡眾逃離陰暗的現實和人性的無知，一起超越平凡。

一個時尚、創新的芭蕾

據說這部作品的製作預算有限，但沒有什麼能擋得住高漲的創意。劇中沒有場景變化，全場唯一的裝飾是掛在舞台三面的黑色高跟鞋。沒有多餘的羈絆，只憑真緻的情懷、夢幻的故事和奇妙的樂章，足以感動人心。 馬蘭登講述的是我們熟悉的灰姑娘，但就沒有其他版本中常有的黑暗面，反而加入了不少幽默，有喜有悲拿捏得恰到好處。

舞蹈員穿著軟鞋演出，馬蘭登的編排讓舞者們充份發揮技巧。普羅科菲耶夫的音樂預設了很多變化，包含多場慢舞和雙人舞，需要大約30位舞者。為了解決人數的問題，馬蘭登用了一個特別的方法，在劇中的高潮所在，就是舞會的那一場，令他的舞者加倍；在他的處理下，南瓜馬車變成了一個簡單的車輪，而玻璃鞋就變成了黑色的高跟鞋。整體的灰色調與幾何的運用，為這套芭蕾帶來了一個當代、時尚的面貌，但就無損「仙履奇緣」的童話神緒。

舞極樂
電子音樂遇上HIP HOP BY COMPAGNIE RêVOLUTION

夜店中的嘻哈

嘻哈文化起源自上世紀60年代後期的紐約布朗克斯區，至今已成為一種涵蓋音樂、舞蹈、塗鴉等街頭藝術、可擁抱無限可能的藝術形式。初期嘻哈是弱勢黑人社區文化的一部分，但它的影響力已經迅速蔓延，並在各地植根。當中，嘻哈舞的特色是舞者可以用意想不到的動作扭曲身體，與其他舞蹈派系風格明顯不同，這種毫無保留的舞態是他們表達自我的方式。

安東尼艾朱亞創作的「舞極樂」，展現了舞蹈和肢體動作所帶來非常純粹的喜悅，結合嘻哈舞、醉生夢死的夜生活和電子音樂，打造一個如幻似真的狂熱世界。以酒吧作為場景，艾朱亞以多角度探討舞蹈的真義，打破舞蹈概有的常規、將之扭曲甚至完全摒棄，並帶領觀眾走進夜店的異色世界，進入狂喜，展現舞蹈不一樣的感染力。

動感煉金術

艾朱亞渴望能重新回到嘻哈的源頭，探索這種舞蹈的精神，「舞極樂」所呈現的就是這個尋根之旅。編排中他結合了多元化的風格，吸引不同層面和世代的觀眾聚首共享舞蹈的歡愉。「舞極樂」亦可說是艾朱亞用多年的經驗和研究炮製的動感煉金術。在集合各嘻哈舞風格的同時，他致力打破框架，顛覆固有的原則，煉金術就在這種翻天覆地之間修成正果。

電子音樂是幾個世代的集體記憶，艾朱亞也就借電子音樂讓大家能更加投入這次的舞蹈探索。電子音樂就像變色龍，不拘一格，同時又能帶出極強的意境，有跨越風格的能力。音樂人伊凡泰博特是一位出色的敲擊樂手，熟識當代舞蹈和嘻哈運動，「舞極樂」的音樂就由他所創作。

除了對肢體動作的探索，夜店的場景也是焦點之一。酒吧音樂令人熱血沸騰不能自己，進入狂喜狀態。就在這個氛圍中，艾朱亞的舞者隨著強勁的節拍跳出「舞極樂」，挑戰身體和感觀的極限。

《舞極樂》以一個特別夜晚作為背景，揭露不同舞者和天才表演家的心路歷程，他們之間的故事時而交加重疊，時而分道而行，氣氛在輕快與沉重之間流動，觀眾被舞者帶動進入迷離境界。這是一場極致的舞蹈表演，不論是群舞或獨舞，都能緊捉觀眾的脈搏，令全場陷入瘋狂。